DENNIS OPPENHEIM

DENNIS OPPENHEIM

Artista norteamericano más innovador del siglo XX, su obra abarca casi todos los campos del arte, pero destaca especialmente en el apartado de escultura en espacios públicos, verdaderas intervenciones artísticas para modificar el entorno natural. 

El Land Art es un cruce entre la arquitectura y la escultura que tuvo como escenario la naturaleza y que nació a mediados de la década de los 60. Consistentes en excavaciones o enterramientos, las primeras obras se realizaron en los duros paisajes del oeste de los Estados Unidos.

Todo el arte de Oppenheim se nutre del conceptualismo. En los años 60 exploró también el territorio del arte corporal con dos performances que resultaron muy influyentes, Parallel Stress, el artista emuló la misma postura del cuerpo arqueado hacia abajo, en dos contextos distintos: Suspendido por dos muros entre los puentes de Brooklyn y Manhattan, y en una montaña de detritos en un vertedero de Long Island. 

En Reading position for second degree burn, deja un libro abierto sobre su pecho con el objetivo de generar una quemadura en la piel a excepción de la zona protegida por este. 

Poco tiempo después, Oppenheim se adentra en el mundo del Land Art, práctica de la manipulación del paisaje para modificarlo artísticamente, siempre teniendo en consideración el entorno.

Un ejemplo de Land Art es su obra titulada Annual Rings (1968), en ella, Oppenheim se centra en los anillos creados por el crecimiento de los árboles y los representa en nieve situándolos en la frontera entre Estados Unidos y Canadá. Los anillos están separados por una barrera de agua que dividiría el territorio entre los dos países. 

En otro de sus proyectos más recientes, mezcló el arte en sí mismo como concepto y el espíritu de la ciudad que le encargó la escultura. Se trata de dos pinceles de 14 metros (están cruzados en la calle) emiten dos haces de luz led multicolor a una distancia de 600 metros en el cielo que dan la bienvenida al distrito artístico de Las Vegas. 

FÉLIX GONZÁLEZ TORRES

Félix Gonzalez Torres

Es un artista íntimo y a la vez político. Nacido en Cuba en 1957, tras vivir en Madrid y Puerto Rico, termina instalándose en Nueva York en 1979. Ha sido siempre un artista comprometido, entre 1987 y 1991 formó parte del colectivo artístico Group Material que trabajaban en el activismo cultural. 

Para sus primeras obras creaba listas con referencias a diferentes elementos históricos, sociales o culturales. En obras similares mezclaba fechas y eventos de diferentes personas. González-Torres invita a reflexionar sobre la construcción de la memoria colectiva y personal. También hay listas con fotografías, como en Untitled (Death by gun) donde nos muestra las imágenes de todos los muertos por disparo en una semana en Estado Unidos.   

El trabajo de Félix González-Torres está profundamente marcado por su vida personal, pero esto no hace que sus obras resulten egocéntricas o individualistas, ya que siempre nos hace reflexionar sobre temas sociopolíticos. Por ejemplo, González-Torres era homosexual y nunca lo escondió, su pareja, Ross Laycock, murió a causa del SIDA, como años más tarde le ocurriría a él. 

Es un artista de una gran sensibilidad, y sus piezas pueden parecer de lo más amable e inofensivo aunque nos esté hablando de temas políticos, o incluso de la muerte. Como en una de sus obras más famosas Untitled (Portrait of Ross in L.A), una montaña de caramelos que debe pesar lo mismo que Ross. El público es invitado a llevarse caramelos en su visita, de manera que simbólicamente alude a su desaparición. Con esta obra, González-Torres no sólo cuestionaba la idea de obra de arte inalcanzable, sino que además incidía en la participación del espectador como parte integrante en la obra de arte. Criticaba así el monumentalismo y falta de conexión real con el público de otros tipos de arte. 

Otra de sus obras más populares fueron las 24 vallas publicitarias que instaló en Nueva York con la imagen de su cama vacía, con el rastro de dos cuerpos ausentes, tras la muerte de su pareja. Es una obra de una belleza delicada que nos habla de temas tan duros como la muerte, el SIDA o el dolor por la pérdida de un ser querido.

"MI PROPÓSITO ES ACTIVAR LA FANTASÍA DEL ESPECTADOR"

YOKO ONO

Artisticamente infravalorada, merecidamente conocida como la viuda más famosa del mundo y vilipendiada como la catalizadora de la ruptura del  grupo de música más famoso de la historia, Yoko Ono es actualmente una visionaria artista que ya anteriormente tenía estatus de estrella avant-garde desde su relación con John Lennon. Hoy en día es una reconocida artista que trabaja diversas materias artísticas tales como películas, audio, fotografía, texto, objetos, instalaciones y documentación sobre performance realizadas en el pasado. Su obra refleja a menudo el sentido del humor de la artista, y su pronunciada actitud crítica y social.
El punto de partida de muchas de sus obras se encuentra en las instrucciones, directrices orales o escritas (que da al público al que ofrece diversas sugerencias y asigna un papel mucho más activo del habitual en el mundo del arte).
Incluso muchas de las piezas podrían considerarse incompletas sin la participación física o mental del espectador.

En 1964, publica el rompedor volumen Grapefruit (Pomelo), libro en que reúne todas las instrucciones de sus obras creadas hasta el momento.

Vertical Memory (1997) es una de sus series fotográficas conceptuales más conocidas, en ella crea un diálogo entre la fotografía y los medios de comunicación.
Consta de 21 retratos idénticos con 21 textos diferentes para cada uno, tanto en inglés como en japonés. Los retratos fueron manipulados por ordenador y en ellos aparecían su padre, su marido y su hijo.

Una de sus obras más emblemáticas es A hole del año 2010, una pieza frágil y a la vez violenta, que consiste en una instalación de cristal en la cual queda marcado el impacto de una bala. Yoko anima al espectador a tomar tanto la posición de agresor como de víctima, dependiendo de a qué lado del cristal se encuentra. "Con ella quiero advertir de la violencia que hay en todo el mundo", dijo la artista conceptual e invitó al público a compartir su experiencia con la violencia.

Cabe no olvidarse de la extensa filmografía de Yoko Ono:

Fly (1970)

Eye Blink (1969)

Two Virgins (1968)

Erection (1971)

 Freedom (1970)

LA IDEA DEL CONCEPTO CONSTITUYE EL ASPECTO MÁS IMPORTANTE DE LA OBRA

SOL LEWITT

Artista estadounidense considerado como el máximo exponente del minimalismo y del arte conceptual. Lo más representativo de su obra son sus esculturas realizadas con cubos abiertos o rejillas y sus dibujos sobre pared: esquemas geométricos dibujados o pintados directamente sobre la pared.
En 1965, comienza a realizar sus esculturas de cubos abiertos, en las que trata la sencillez estructural de tal modo que hace que sea el espectador el que interrelacione las formas para obtener una visión propia de la obra.

En two open modular cubes (dos cubos modulares abiertos), la forma de yuxtaponer los dos cubos crea una gama de formas geométricas y relaciones espaciales que cambia según el ángulo de observación. En las obras compuestas por un número mayor de cubos, los cambios producen un complejo contrapunto de relaciones.

Destacan sobre todo sus obras de dibujos sobre pared, los cuales comenzó a hacer en 1968, año en el que expone el primero de ellos en la galería Paula Cooper de Nueva York. Estos dibujos consisten en formas geométricas, tales como cuadrados dentro de otros cuadrados o triángulos contiguos, así como en composiciones de franjas de colores alternados.

Las realizaban los ayudantes de LeWitt, siguiendo una serie de instrucciones muy precisas que a veces escribía sobre la propia pared. La importancia de estos dibujos sobre pared radicaba en que podían hacerse, borrarse y rehacerse siguiendo las intrucciones del artista, independientemente de su participación directa. 

Eran el reflejo de la afirmación de LeWitt de que "La idea del concepto constituye el aspecto más importante de la obra" y que "la realización es un asunto superficial". 

EL ABUSO DE PODER NO LLEGA DE SORPRESA

JENNY HOLZER

Es una artista conceptual (a pesar de que originalmente era una artista abstracta) norteamericana que se centra en el uso de ideas en espacios públicos. Su obra no nos da respuestas, plantea inquietantes interrogantes que tienen múltiples respuestas posibles, tantas como espectadores. 

La brevedad de unos mensajes cortos en extensión ocultan, sin embargo significados profundos, no con la intención de poner de manifiesto una idea concreta, sino que se plantean como una suerte de interrogatorio que obliga al espectador a pararse, leer, comprender y reflexionar. 

El punto de inflexión en su carrera llegaría en 1982, cuando sus frases aparecieron en Times Square utilizando como soporte una pantalla electrónica en la que aparecían frases como Protect me from I want (Protégeme de lo que quiero), Abuse of power comes as no surprise (El abuso de poder no llega de sorpresa), Absolute submission can be a form of freedom (La sumisión total puede ser una forma de libertad).

Principalmente, proyectaba sus frases en edificios públicos pero además, también las estampaba en posters, pegatinas, camisetas, preservativos...

A continuación, adjuntamos links a vídeos y entrevistas a Jenny Holzer:

https://www.youtube.com/watch?v=ReNfFaCHZM0&spfreload=10

https://vimeo.com/104893686

El arte conceptual, surge en la mitad del siglo XX, y su precursor serían las obras creadas por Marcel Duchamp.

MARCEL DUCHAMP

El trabajo del artista francés Marcel Duchamp servirá como precursor de este arte, con sus trabajos ready made daría a los artistas conceptuales las primeras ideas de obras basadas en conceptos y realizadas con objetos de uso común.

El ready made consiste en titular artísticamente objetos producidos insutrialmente en masa, con una mínima o ninguna intervención, declarándolos así "obras de arte". Pues según Duchamp, arte es lo que se denomina arte, y por lo tanto, puede ser cualquier cosa.

Los primeros Ready Made fueron una rueda de bicicleta y un urinario, aún más famoso que el anterior puesto que Duchamp lo tituló como Fontaine y firmó con pseudónimo, provocando revuelos y muchas críticas ya que este tipo de actos cuestionan el límite de lo que es considerado por la sociedad como arte.

Es común situar el origen del arte conceptual en la creación de estos ready made, sin embargo, el arte conceptual como movimiento surge en la mitad de los años 60, en parte como una reacción en contra del formalismo que había sido articulado por el influyente crítico Clement Greenberg.

Estas obras abren el camino a posteriores artistas, pudiendo considerar a Duchamp como uno de los creadores más influyentes del siglo XX.

El contexto histórico inmediato de este arte es el de Estados Unidos y Europa tras la segunda guerra mundial, al que se debe añadir artistas de otros países de Asia y Sudamérica.
Cabría destacar a los estadounidenses Robert Rauschenberg y Jasper Jones, que transforman la pintura incluyendo objetos cotidianos.
En Japón podemos mencionar las acciones artísticas del grupo Gutai. En Francia e Italia Yves Klein y Piero Manzoni respectivamente, que desarrollaron prácticas artísticas que contribuyeron a sentar las bases del arte conceptual.

Los medios más empleados en el arte conceptual son el texto, la fotografía, la performance y el vídeo.  En ocasiones se reduce a un conjunto de instrucciones indicando cómo crear la obra o a la documentación de un evento. La idea tras el arte es más importante que el artefacto en sí.

ROBERT RAUSCHENBERG 

Robert Rauchenberg es un artista norteamericano conceptual que alcanza la fama en la década de los 50 durante la transición del expresionismo abstracto al pop art.
Su obra conceptual más conocida es Dibujo de De Kooning borrado, el cual constaba de un dibujo de De Kooning que Rauschenberg había borrado. Esta obra provoca al espectador a considerar si borrar el dibujo de otro artista podía ser considerado como un acto creativo.

JASPER JONES

Uno de los pintores americanos más influyentes de la segunda mitad del siglo XX. 

Jones pintaba con objetividad y precisión, aplicando gruesas capas de pintura a modo en el que el cuadro se convierte en un objeto y no sólo en la reproducción de objetos reconocibles. 

Su obra más conocida es Flags, en la que representa a la bandera norteamericana, esta obra es considerada como la madre del pop art. 

GUTAI

Fue un grupo de artistas japoneses que realizaban arte de acción o happening. Nace en 1955 en el entorno de la región de Osaka, sus principales miembros fueron 

Este grupo nace de la terrible experiencia de la segunda guerra mundial. Rechazaban el consumismo capitalista, realizando acciones irónicas con un sentimiento de crispación y agresividad latente (ruptura de objetos).

El iniciador del grupo fue Jiro Yoshihara quien en 1955 realiza una acción sobre un bidón de gasolina de la guerra, sobre la que aparece en un barco hinchable. Aunque hay planteamiento global el artista no da explicaciones dando libertad a la interpretación del espectador. En la acción Cosa Extraña moviéndose por el escenario, se envuelve en papeles frente un escenario pintado con una escalera. Podemos ver la influencia surrealista de Magritte. 

Sadamasa Motonaga hizo Humo en la cual instala unas máquinas de las que sale humo, haciendo alusión a la bomba atómica. 

Shozo Shimamoto es el autor de Anden por encima de esto, consta de una plataforma con fragmentos oscilantes por la que se pasa manteniendo el equilibrio. Además destaca en pintura imitando el gestualismo de Pollock, tirando recipientes de cristal con pintura que estrella contra el cielo. 

Saburo Murakami hace Acción de atravesar los biombos, estructuras cuadrangulares de papel de embalaje que cuelgan del techo sobre las cuales se lanza el autor. 

Katsuo Shiraga crea La pintura con los pies, trata de danzar sobre un soporte de papel con los pies pintados influencia de las antropometrías de Yves Klein. 

YVES KLEIN

Yves Klein creó un conjunto de obras heterogéneo y complejo desde el punto de vista crítico que anticipó gran parte del arte de las décadas posteriores, desde el Arte Conceptual al arte de la performance. Aunque Klein comenzó a crear lienzos monocromos a mediados de los cincuenta, abandonó la especificidad de lo pictórico para concebir el arte como algo independiente de cualquier medio o técnica particulares. 

QUÉ ES EL ARTE CONCEPTUAL

En esta primera entrada, trataremos de explicar qué es el arte conceptual.
Se podría definir como una forma de expresión que intenta prevalecer la idea por encima del estímulo visual, favoreciendo los procesos intelectuales.
Este tipo de arte, tiene como antecedente al dadaísmo (el primer movimiento que desnitrificó totalmente el arte) y el minimalismo (que tiene varias manifestaciones):

1. Happening: Del inglés "suceso o acontecimiento", es una experiencia teatral improvisada que tiene sus orígenes en los años 50, considerada como una manifestación artística multitudinaria. Aunque se ha relacionado con el pop art y el movimiento hippie, los happenings se integran dentro del conjunto del performance art.
2. Body Art: Nace a finales de los 60, el artista investiga su propio cuerpo como materia de arte y medio expresivo. Van desde acciones que rozan el sadomasoquismo hasta esculturas vivientes. 
3. Land Art: "El arte de la Tierra": Construye arte con la naturaleza, de una forma ecológica que busca criticar los daños que el hombre causa al entorno natural. Surge en los años 60 y 70 en respuesta a la comercialización del objeto artístico tradicional (cuadros y esculturas).
4. Arte Povera: Es un arte anticomercial, pobre, precario y antiformal, realizado con materiales desnudos. En este tipo de arte tratan de provocar una reflexión entre el objeto y su forma, a través de la manipulación del material y la observación de sus cualidades específicas. Rechazaba los iconos creados por los medios de comunicación de masas y las imágenes reductivistas, así como también las industriales del pop art y el minimalismo. Utiliza un alto grado de creatividad y espontaneidad que implica una recuperación de la inspiración. Este arte prefiere el contacto directo con los materiales sin significación cultural alguna, materiales de los que no importa su preferencia ni uso, que serán reutilizados o transformados por el artista. 

Uno de los primeros ejemplos del arte conceptual es Una y tres sillas de Joseph Kosuth, artista estadounidense que en el año 1965 crea esta obra que consiste en una silla plegable de madera, una fotografía de una silla y una ampliación fotográfica de la definición de silla sacada del diccionario.
Con esto, el artista pretende que el público se cuestione cuál de los tres elementos se ajusta más a la identidad del mismo.